Umjetnost crtanja

portreti

Nacrtani portreti iz 15. stoljeća - na primjer Pisanello ili Jan van Eyck - mogu se smatrati dovršenim slikovnim djelima u njihovoj koncentraciji, izvođenju i raspodjeli prostora. Jasan, delikatno razgraničen prikaz prati svaki detalj površine, težeći realizmu. Preferira se profil bogat detaljima; nalikuje reljefu, sličan je medaljonu. Sljedeći po redu čistom profilu, tročetvrtinski profil je svojim prostornijim učinkom došao do izražaja i ostao stoljećima klasičan portretni stav.

Bliski odnos prema slikarstvu odnosi se na praktički sve portretne crteže 15. stoljeća. Čak i toliko snažno djelo kao što je Dürerov crtež cara Maksimilijana nastalo kao portretna studija slike. No, istovremeno, neki Dürerovi portreti crteži jasno utjelovljuju završnu fazu umjetničkog pothvata, ambivalentnost koja se može primijetiti i kod drugih portretista iz 16. stoljeća. Radovi Jeana i Françoisa Cloueta u Francuskoj i mlađeg Hansa Holbeina u Švicarskoj i još izrazitije u Engleskoj u istom stoljeću dali su autonomiju crtanju portreta, pogotovo kada je crtež dovršen kredom raznih boja. Izbor mekšeg medijuma, konture, koja je bez obzira na točnost, manje je samostalna, a nježnije unutarnje crtanje ravninskim elementima daje tim crtežima živahniji, osobniji karakter i još jednom naglašava njihovu blizinu slikarstvu.

U tehnici polikromatične krede i pastelnom portretu crtež je zadržao svoju neovisnost u 19. stoljeću. U 18. stoljeću, Quentin de La Tour, François Boucher i Jean-Baptiste Chardin - svi ti umjetnici iz Francuske - bili su među glavnim praktičarima, a čak je i Ingres, koji je živio u 19. stoljeću, još uvijek koristio njegovu tehniku. U pastelnom slikarstvu portret je nadmašio sve ostale teme.

Na izbor poza, vrste i izvedbe, na portretno slikarstvo, kao i druge likovne oblike, utječu opće stilske značajke epohe. Dakle, ekstremni slikovni stav kasnog baroka i rokoka praćen je strožijom koncepcijom tijekom neoklasicizma, koja je preferirala jednobojne tehnike i kultivirala poseban oblik siluete, profilni konturni crtež s površinom ispunjenom crnom bojom. Nepogrešivo zaduženi za svoje prethodnike iz 15. stoljeća, tvorci portretnih crteža s početka 19. stoljeća još jednom su ciljali na točnu reprodukciju detalja i plastičnih efekata dobivenih kroz pažljivo odabrane grafičke medije: tanka, tvrda olovka bila im je omiljeni instrument, a srebrnu točku Rimljani su ponovno otkrili.

Više zainteresirani za psihološke aspekte portretiranja, crtači s kraja 19. i 20. stoljeća više su voljeli mekše bojice koje lako slijede svaki umjetnički nagon. Zauzimanje karakterističnih elemenata i odgovarajući ravni prikaz su im bili teže od realnih detalja. Elementi raspoloženja, intelektualna napetost i osobni angažman tipične su karakteristike modernog portreta, a samim time i modernog portretnog crtanja, umjetnosti koja i dalje dokumentira umjetnikovo osobno zanatstvo izvan karakteristika različitih tehnika.

krajolici

Već u 15. stoljeću pejzažni su crteži također stekli dovoljno autonomije tako da je teško razlikovati gotovu studiju za pozadinu određene slike i neovisni, samostalni skicirani krajolik. Već u skicama knjiga Jacopo Bellini iz 15. stoljeća (sačuvanih u albumima u Britanskom muzeju i Louvreu) postoji prisna povezanost između proučavanja prirode i slikovne strukture; u Titijevom studiju u 16. stoljeću morale su se prikazivati ​​pejzažne skice kao prijedlozi za slikovne pozadine.

Ali upravo je Dürer razvio krajolik kao sjećanje na sliku i autonomno umjetničko djelo, ukratko, kao temu koja je njegova, bez reference na druga djela. Njegove akvarele prije svega, ali i crteži dvaju talijanskih putovanja, okolice Nürnberga i putovanja u Nizozemsku, predstavljaju najranije čiste pejzažne crteže. Prošla su stoljeća prije nego što su se takvi crteži ponovno pojavili u ovoj apsolutnoj formulaciji.

Pejzažni elementi također su bili vrlo značajni u njemačkim i nizozemskim crtežima i ilustracijama. Figurativni prikaz, koji i dalje postoji u većini slučajeva, formalno je prilično integriran u romantični krajolik šume i livade, posebno u radovima dunavske škole - na primjer Albrecht Altdorfer i Wolf Huber. Češće nego u drugim školama, ovdje se pronalaze pažljivo izvedeni prikazi prirode. U Nizozemskoj Pieter Bruegel crtao je topografske prikaze kao i slobodne pejzažne kompozicije, u oba slučaja kao autonomna djela.

U 17. stoljeću proučavanje prirode i krajobrazni crtež koji je izrastao iz njega dosegli su novi vrhunac. Pejzažni crteži Accademia degli Incamminati (oni iz Domenichina, na primjer) kombinirali su klasične i mitološke teme s junačkim krajolicima. Francuz Claude Lorrain, koji živi u Rimu, često je radio pod otvorenim nebom, stvarajući pejzažne crteže do sada nedostignute atmosferske kvalitete. Ova vrsta kultiviranog i idealiziranog krajolika, koju su prikazali i Poussin i ostali Sjevernjaci s prebivalištem u Rimu (nazivali su ih nizozemski rimisti s obzirom na činjenicu da je toliko mnogo umjetnika iz Nizozemske živjelo u Rimu, a njihovi crteži Italije postižu gotovo eteričnu kvalitetu), u suprotnosti je s neheročnim konceptom krajolika iz blizine prirode kojeg drže prvenstveno Nizozemci prilikom prikazivanja krajolika rodne zemlje. Svi slikari pejzaža - njihova pejzažna slika specijalnost koja je snažno zastupljena u umjetnički specijaliziranim Nižim državama - također su stvorili neovisne crteže pejzaža (Jan van Goyen i Jacob van Ruisdael, na primjer njegov stric i rođak), a Rembrandt je opet zauzeo posebno mjesto: često je uhvatio karakteristike regije sa samo nekoliko poteza, pojačao ih je na takav način da stječu monumentalnu izražajnu moć čak i u manjem formatu. U Italiji iz 18. stoljeća, topografski vjerni krajobrazni crtež dobio je na značaju pojavom Vedutista, dobavljača "pogleda", formirajući samu skupinu (među njima Giambattista Piranesi i Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) i često radeći s takvim optičkim pomagalima kao što je kabulica u obliku mrežice i zasuna kamere. Pejzažne crteže veće umjetničke slobode, kao i imaginarne pejzaže, najuspješnije su radili neki francuski umjetnici, među njima Hubert Robert; slikovito i atmosfersko, ove teme dosegle su drugi procvat u kružno nacrtanim krajolicima takvih engleskih umjetnika kao što su Turner i Alexander Cozens, čiji se utjecaj širi i u 20. stoljeće.

S obzirom na njihov snažni interes za razgraničenje, crtači iz 18. stoljeća neoklasicizma i, još više, romantizma, promatrali su prirodu s topografskom točnošću. Kao novo „otkriće“ romantično i herojski pretjerani alpski svijet zauzeo je svoje mjesto u umjetnikovoj svijesti, zajedno s arkadijskim pogledom na talijanski krajolik.

Pejzažni crteži, a još više, akvareli, oblikovali su neiscrpnu temu u 19. stoljeću. Francuski umjetnik Jean-Baptiste-Camille Corot i, krajem stoljeća, Cézanne i van Gogh, bili su među glavnim stvaraocima pejzažnih crteža. Pejzaži su bili dio djela mnogih crtača 20. stoljeća, ali je tijekom čitavog stoljeća žanr kao takav zauzeo drugo mjesto općim problemima forme, u kojima je predmet tretiran samo kao polazna točka. Međutim, tijekom posljednjih 30 godina 20. stoljeća velik broj američkih umjetnika vratio se u reprezentaciju, čime je ponovno uložio u krajolik kao predmet.

Kompozicije slika i tihožitke

U usporedbi s glavnim temama autonomnog crtanja - portreti i pejzaži - sve su druge manje važne. Kompozicije slika uvelike ovise o slikarstvu njihovog vremena i često su s njim izravno povezane. Bilo je, naravno, umjetnika koji su se u svojim crtežima bavili temama monumentalnog slikarstva, poput gravure iz 17. stoljeća i etchera Raymonda de La Fagea; općenito, međutim, umjetnički cilj kompozicije figura je slika, a crtež predstavlja korisnu pomoć i put stanicu. Žanrovski prizori, osobito popularni u Nizkim zemljama 17. stoljeća (kao što su to radili Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade i Jan Steen) te u Francuskoj i Engleskoj iz 18. stoljeća, postigli su neko samostalno stajalište. I u 19. stoljeću nastali su crteži koji su pripovijedali priče iz svakodnevnog života; često ilustrativnog karaktera, oni se mogu nazvati "malim slikama", ne samo zbog često raznobojnog formata, već i zbog umjetničkog izvođenja.

U prilozi života mogu se tvrditi da su to autonomni crteži, posebice prikazi cvijeća, poput one nizozemskog umjetnika Jana van Huysuma, koji su popularni još od 17. stoljeća. I ovdje je opet istina da dobro osmišljen aranžman pretvara neposrednu studiju prirode u slikovnu kompoziciju. U nekim je tim kompozicijama sličnost slikanju vrlo jaka; na primjer, pastele umjetnika 19. i 20. stoljeća, na primjer, ili djelo njemačkog ekspresionista iz 20. stoljeća Emila Nolde svojim kromatskim intenzitetom potpuno prelaze crtu razdvajanja između crteža i slike. U tihožitju života, kao iu krajolicima, autonomni principi forme moderni su umjetnici važniji od činjenične izjave.

Fantastični i nereprezentativni crteži

Crteži s imaginarnim i maštovitim temama više su neovisni o vanjskoj stvarnosti. Pojava snova, metamorfoze i isprepletenost zasebnih razina i područja stvarnosti tradicionalna su tema. Fantazmagorička djela kasnog 15. stoljeća Hijeronimusa Boscha rani su primjer. Postoje alegorijski seljački prizori flamanskog umjetnika iz 16. stoljeća Pietera Bruegela i karnevalski etchings francuskog umjetnika iz 17. stoljeća Jacquesa Callota. Ostali čiji radovi ilustriraju ono što se može učiniti crtanjem izvan krajolika i portretiranjem su: talijanski graver iz 18. stoljeća Giambattista Piranesi, anglo-švicarski umjetnik iz 18. stoljeća Henry Fuseli, engleski ilustrator Walter Crane iz 19. stoljeća, francuski iz 19. stoljeća Umjetnik simbolizma Gustave Moreau i nadrealisti 20. stoljeća.

Umjetnost koja nije predstavljena, svođenjem osnovnih elemenata crteža - točke, linije, ravnine - u čistu formu, ponudila je nove izazove. Odricanjem od asocijativnih tjelesnih i prostornih odnosa otvaranje dimenzija crteža i strukture različitih medija dobivaju novi značaj. Grafičke osobine crte u ravnini kao i neobilježeno područje već su bile naglašavane u ranijim vremenima - na primjer, u grotlama Giuseppe Arcimboldo u 16. stoljeću (maštoviti ili fantastični prikazi ljudskih i životinjskih oblika često kombinirani s međusobno i isprepleteni prikazima lišća, cvijeća, voća ili slično) i u kaligrafskim vježbama kao što su moreske (snažno stilizirani linearni ornament, temeljen na lišću i cvjetovima) - ali uglavnom kao modeli ispisa ili graviranja za najrazličitije ukrasne zadatke (unutarnja dekoracija, namještaj, posuđe, nakit, oružje i slično).